Janet Echelman: Magia en el cielo..

Hay artistas cuyas obras las disfrutan unos pocos, otros pueden verse en museos, abiertas a más público, la obra de Echelman, es a cielo abierto a la vista de todos..

Janet Echelman tiene un alcance mucho más amplio y responde a fuerzas de la naturaleza como agua, luz,  o viento, que les dan vida y dinamismo, cambiantes durante el dia…y la noche.

Cada proyecto, es un emprendimiento titánico que involucra muchos equipos de trabajo, desde la concepción, los cálculos de resistencia de cargas, vientos, etc y los de ejecución y puesta in situ, además de herramientas y maquinarias, permisos especiales a las municipalidades y colaboraciones de infinitas personas para concretar obras que dejan boquiabierto a cualquiera y crean magia ipso facto, donde se instalan. Como dice ella misma: “el arte publico es un deporte de equipo”
Nacida en USA en 1966, es escultora y artista, explora el uso de materiales no tradicionales como redes de pesca , cuerdas náuticas, o fibras especiales de alta performance como el Spectra rope, más resistente que el acero,  que mediante tecnicas antiguas tradicionales de tejido complementadas con tecnologías de punta, crean intervenciones a escalas edilicias.
Premiada con la Guggenheim Fellowship, fue nombrada en 2012 por Architectural Digest  “Innovadora” por cambiar la esencia de espacios públicos. Su charla Ted “Taking Imagination seriously” fue traducida  a 33 lenguajes y vista por 1 millón de personas alrededor del mundo.
Sus trabajos recientes? “Su secreto es la paciencia” uniendo dos bloques opuestos de edificios en Phoenix, Arizona, “Ella Cambia” en el Waterfront de Porto, Portugal, o su trabajo para el Rose Kennedy Greenway en Boston que mas adelante detallamos y que se verá hasta octubre 2015
Muy alineado con los resultados, su espíritu es “invitar a las personas a tener una experiencia sensorial sin palabras, que evoque recuerdos”
En 2013 fue convocada por GLOW una trienal de arte en Sta. Mónica que convocó a 150 .ooo personas bajo su arte que fue muy elogiado por el New York Times también. Su lista de premios y reconocimientos es interminable, y su nombre uno de los más prestigiosos en cuanto a alcance y carrera femenina en las artes.
El pasado año, el Rose kennedy Conservancy hizo un llamado internacional a artistas para una pieza de arte público contemporáneo con el tema “conexiones” , simbolizando el espíritu que llevaron a las obras de reconexion del downtown con el waterfront, anteriormente dividido con autopistas, hoy con un parque verde, el Greenway, uno de los espacios urbanos más innovadores de Estados Unidos. Ganó Echelman y lo muestran las fotos que adjuntamos arriba y en link al final.
Parece liviano pero engaña: una escultura multicolor aérea para el  Rose Kennedy Greenway en Boston , hecha de 15 millas de fibras anudadas, que son más resistentes que el acero y pesan 1 tonelada, requieren 5 grúas para su puesta en sitio y se suspenden entre edificios, sobre el tránsito y plazas peatonales.
De día se funde en el cielo, de noche comienza el espectáculo: la iluminación se conecta a sensores de movimiento que registran las corrientes de aire y las oscilaciones de la estructura.
Todo ello, es previamente modelado con softwares que permiten simulacion de gravedad y vientos al tiempo que calculan densidades , formas y escalas.
De hecho, para darse una idea de la escala manejada,  la firma Arup, consultora internacional de ingeniería intervino en el proyecto de instalación.
En exhibición hasta octubre 2015..si pasan por Boston…vayan mirando hacia arriba!
A Janet la inspira el pensar que cuando uno camina por la ciudad envuelto en sus pensamientos, apurado, corriendo día a día, ensimismado….de repente mira para arriba y hay un espacio donde te abstraés de todo y encontrás un lugar que es apropiable por todos cada uno a su manera, otra dimensión de descanso mental y pensar que todo puede suceder…
Pero cómo empezó todo? Al graduarse del colegio, se mudó a Hong Kong en 1987 para estudiar caligrafía y pintura china, Luego, se muda a Bali, donde colabora con artesanos locales para combinar artes tradicionales textiles con técnicas de pintura.
Cuando pierde su casa de de bamboo en un incendio, retorna a USA y comienza a enseñar en Harvard, luego de 7 años de residencia, regregsa a Asia con una beca Fullbright.
Una suerte de hechos, como pérdida de obras y comenzar a concoer materiales locales, unido a un presupuesto acotado de la beca, ve las propiedades de liviandad y plasticidad de las redes de los pescadores locales y comienza a mirarlas con cariño.
Para el fin de su beca, había creado una serie de esculturas con redes de pesca en colaboración con la gente del lugar.
Hoy en día ya no trabaja con pescadores sino con ingenieros aeronáuticos, mecánicos, iluminadores, paisajistas, arquitectos y fabricantes. Tiene su estudio atrás de su casa de 100 años en Boston, donde vive con su esposo y dos hijos.
Vean las increíbles instalaciones en este link

El ‘punk provinciano’ de Grayson Perry, el infernal crítico social del mal gusto de la clase media

Grayson Perry - The Walthamstow Tapestry, 2009</p><br />
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Grayson Perry – The Walthamstow Tapestry, 2009 El tapiz de Grayson Perry que recorre la vida, del nacimiento a la muerte, a través de un río de sangre salpicado por marcas de consumo (Courtesy the Artist, Paragon Press and Victoria Miro, London © Grayson Perry)
Defensor de la ‘humildad’ de la alfarería, travesti por diversión, militante laborista, ganador del premio Turner…, el díscolo artista inglés regresa con una exposición.
Con ‘Punk provinciano’ vuelve a los temas que le interesan: el consumo irreflexivo, la horterada social, la complicidad con el poder, la necesidad de drogarse…
‘El arte contemporáneo se ha convertido en una bolsa de basura: metes dentro lo que te apetezca y el público dirá que se trata de arte’, dice.
Alguien ha considerado que Grayson Perry (1960) es “el crítico social del infierno”, dando a entender lo evidente: que el infierno es el mundo que habitamos o, más bien, que nos sirve como aposento. La obra de este indisciplinado artista inglés —ganador en 2003 del Turner, el más prestigioso de los premios de las artes plásticas del Reino Unido— no deja títere con cabeza. Ahora regresa con una exposición titulada, de modo muy adecuado, Provincial Punk (Punk provinciano). Fotogalería Grayson Perry – The Walthamstow Tapestry, 2009 8 Fotos El ‘punk provinciano’ de Grayson Perry La gran horterada del paisaje sociocultural de estos tiempos de masas alienadas, la necesidad de drogarse —con lo que sea: tóxicos legales y alegales, virtualidad, celebración de la fama y sus miserias en televisión y otros medios de masas…— y la complicidad con el poder que conlleva esta sumisión, el consumo irreflexivo y, sobre todo, el mal gusto de las clases alta y media —las bajas no tienen derecho siquiera a ejercer el gusto—, son el centro de la obra de un artista que, para empezar, ni siquiera se considera artista, porque, según afirma, “el arte contemporáneo se ha convertido en una bolsa de basura: metes dentro lo que te apetezca y el público dirá que se trata de arte”. Una ‘casita en el campo’ Coincidiendo con la inauguración de A House for Essex (Una casa para Essex), una vivienda de proporciones reales y en la que se puede entrar, instalada en un terrenito que parodia el obsesivo deseo de los ingleses por la casa en el campo, Perry vuelve a los museos con la muestra Provincial Punk, del 23 de mayo al 13 de septiembre, en el Turner Contemporary de Margate-Kent, otra bofetada antielitista de un creador. Lo único interesante de Damien Hisrt son sus cuentas corrientes Perry es un artista, cuando menos, curioso: se viste de mujer para actuar como Claire, su álter ego femenino —una oronda señora inglesa de mediana edad y tremenda valentía en el vestuario y las chocantes combinaciones de colores—, es simpatizante del partido laborista, se implica en movimientos de protesta, como el reciente contra la privatización de la National Portrait Gallery y ha dirigido y presentado —vestido de Claire— una preclara serie de programas de televisión sobre el mal gusto. También es, sin duda, necesario: desmitifica la gloria dorada de los dioses del arte moderno (“lo único interesante de Damien Hirst son sus cuentas corrientes”) y no toma lo que hace demasiado en serio (“debe haber personas que merecen más atención que un alfarero travestido”). ‘No aceptar la moda y pasármelo bien’ La muestra, con más de 50 obras en los soportes preferidos por Perry, todos “humildes” —cerámica y alfarería, alfombras y otros textiles, dibujos, grabados y películas caseras—, tiene estructura de retrospectiva cronológica, con piezas que van desde 1981, cuando el artista empezó a sobresalir tras una infancia bastante traumática, hasta 2014. Aunque la idea de “punk provinciano” le parece “un oxímoron” por lo opuesto del par de términos que la componen, cree que es personalmente adecuada: “Todavía sigo siendo un punk de provincias. Lo mío parte de una fuerza creativa, un deseo de cambiar las cosas, no aceptar la moda y pasármelo bien. Es una rebelión bromista, no una revolución violenta”. Vasijas sobre religión, traumas de infancia y desastres ambientales El eje central de la exposición del museo dedicado a conmemorar la relación especial con la ciudad de Margate del pintor nacional inglés Turner, son las vasijas de cerámica de Perry, ricamente esmaltadas y decoradas con collages, dibujos y textos escritos a mano. Esta cerámica artesanal pone en yuxtaposición el carácter decorativo habitual de las vasijas con los temas que expresa en ellas el artista, entre ellos la religión, los traumas infantiles, el sexo y el creciente desastre ambiental. Un río de sangre y consumo Provincial Punk incluye cuadernos de dibujos y bocetos que nunca se habían exhibido antes y que Perry usa como diarios confesionales y soportes para hacer crítica política y desarrollar fantasías sexuales. Una de las obras más poderosas de la muestra es el Walthamstow Tapestry (Tapiz Walthamstow, 2009), un recorrido del nacimiento a la muerte a través de un río de sangre y las etapas del ser humano como consumidor. Cascos de moto que parecen haber estado durante siglos en el fondo del mar También se exponen mapas inventados por Perry para que funcionen como alegorías e imaginarios cascos de motociclistas de un pasado remoto, realizados en aluminio que, como si se tratara de restos arqueológicos, parecen haber estado durante siglos en el fondo del mar.

Artistas y sus labores de costura

Consideradas durante años como disciplinas menores, los trabajos de aguja se erigen en vehículos de expresión y recuperan su valor artístico

EL mundo del arte está experimentando un nuevo amor por el bordado, la costura y el ganchillo, más allá de la vestimenta, el costumbrismo o las manifestaciones naif. Las últimas exposiciones celebradas en la feria de arte contemporáneo SOFA, de Chicago, confirman el restablecido estatus de las técnicas de aguja, que hasta el siglo XIX se equiparaban con la pintura. Una nueva generación de artistas que pintan o dibujan bordando, entre los que destaca Hinke Schreuders, ha contribuido con su narrativa a arrancar a estas prácticas el corsé de disciplinas menores que se impuso en el Renacimiento.

Creativos como Joan Tarragó, que han revolucionado el arte urbano con una máquina de coser, son exponente de la pérdida de perfil de género de la costura, aunque se siga asociando con lo femenino y lo íntimo. Hoy existe una legión de artistas que rompe la frontera conceptual entre arte y artesanía. Reinterpretando el punto en clave de vanguardia, alumbran piezas textiles esculturales como las de la diseñadora catalana Fina Badia. La querencia por lo artesanal en plena era digital explica parte de este fenómeno. Pero María del Carmen Gila, autora de la tesis doctoral Dibujar bordando, esgrime otro argumento de peso: la accesibilidad. En épocas de crisis, estas son técnicas que no necesitan de gran presupuesto y se pueden realizar en casa.

El punto de moda

Fina Badia

La pulsión de Fina Badia (Barcelona, 1974) por aportar una “textura inédita” y “con sentido” práctico del punto ha cristalizado en esculturales luminarias de croché. Con ellas, esta diseñadora de moda licenciada por la Universidad de ­Southampton (Reino Unido) ha empezado a trabajar a lo grande y para los grandes, como Santa & Cole y Sandra Tarruella, y ha llamado la atención de varias firmas en Nueva York. Tras dos décadas diseñando para Victorio & Lucchino, TCN, Guess o Selvatgi, entre otras firmas, se sintió “con suficiente oficio” para ofrecer algo propio. En 2011 fundó Knit Studio. Recuperar técnicas artesanales como el handcraft (tejer con los dedos) la ha erigido en artista del punto. Su aspiración, sin embargo, es trabajar con arquitectos e interioristas. “Quiero contribuir a realizar obras reales y útiles para la gente”, argumenta Badia; pero reclama mantener su perfil artesanal, con un proceder de escultor. 

 

El costurero de grafitis

Joan Tarragó

La necesidad de encontrar territorios inexplorados ha llevado al licenciado en Bellas Artes Joan Tarragó (1981) a interactuar con la ilustración, el diseño gráfico y el street art. Y a mezclar herramientas tecnológicas como el láser con técnicas tradicionales como la costura. En 2005, los dibujos realizados en tela y papel con una máquina de coser –“un lápiz técnico tan femenino como puede serlo un taladro”, según Tarragó– fusionaron sus pinturas con el diseño y la moda. De esta sinergia ­surgieron piezas de street art disruptivas (como las de la imagen), que pasearon por las calles de Berlín, en forma de bolsos o vestidos. Estas “obras de arte táctil y con vida propia” propiciaron más adelante su entrada en el estudio de John Galliano, en París, y su posterior colaboración con firmas como Converse, Quiksilver, Ambiguous Clothing, Nike o Ray-Ban. Aunque su obra le ha llevado a formar parte de importantes exposiciones y ­ferias, como la Art Basel de Miami, sigue explorando nuevos caminos. Su pasión por las civilizaciones antiguas y su anhelo por profundizar en los misterios del universo han convertido su vida en un peregrinaje por el mundo. Actualmente reside en Mallorca.

 

Roles y vulnerabilidad

Hinke Schreuders

El imaginario desplegado por la artista holandesa Hinke Schreuders (1969) es una invitación a reflexionar sobre la vulnerabilidad de los roles de la mujer. En su obra Works on Paper, iniciada en 2008, parte de antiguas fotografías de los años cincuenta “que muestran a la mujer virtuosa de la época”. Superponiendo tintas y elaborados bordados a mano, Schreuders transforma esa antigua imagen de inocencia en algo perturbador: “una mujer de carne y hueso” actual y sexualmente liberada que se ve obligada a practicar conductas sexuales no estándar si desea encajar en el rol de hoy, como la protagonista de la novela erótica Historia de O. Buscando reforzar el mensaje de confusión, Schreuders pervierte la imagen con una técnica tan virtuosa como la mujer de la que parte: el bordado. Según la artista, “es un medio de expresión superior al dibujo o a la pintura”. Como es una técnica muy lenta, explica, “obliga a pensar cada puntada por anticipado, lo que conlleva una experiencia de gran profundidad conceptual”.

 

 

 

Artista Betsabeé Romero rescata en instalación la tradición textil mexicana

Artista Betsabeé Romero rescata en instalación la tradición textil mexicana

Los Ángeles, 2 may (EFEUSA).- La artista mexicana Betsabeé Romero expone desde hoy una instalación en el cementerio de Hollywood, en Los Ángeles, con la que apela a la tradición textil de su país para dignificar el trabajo manual de las costureras y bordadoras.

La instalación “Skull of a Thousand Faces” forma parte de “After & Again”, un proyecto impulsado hace tres años por las mexicanas Diana Atri y Joy Huerta, y que partió con una idea original de una línea de 200 camisetas de algodón pima peruano bordadas con seda de París (Francia).

No obstante, la idea se fue expandiendo hasta convertirse en una instalación que desde hoy se puede visitar en una sala masónica de techos altos del cementerio angelino y que se concretó en especial por la labor de los 170 artesanos que participaron del proceso.

“La industria textil ha explotado mucho a las mujeres, queremos dignificar el trabajo manual de las costureras, de las bordadoras y de las artesanas”, aseguró Romero a Efe, quien para esta instalación arribó con una parte de las 200 camisetas elaboradas a lo largo de dos meses.

Las prendas que se exhiben en esta sala del cementerio están suspendidas de perchas de cobre en forma de alas que cuelgan del techo, y se hallan rodeadas por globos de cantoya que irradian una iluminación cálida.

Asimismo, las paredes de la sala están cubiertas con tapices de algodón hechos a mano y para completar la obra la mexicana incorporó su sello de identidad: neumáticos de gran tamaño con una calavera de azúcar en su interior.

Esta instalación constituye la primera edición del proyecto “After & Again”, de las también mexicanas Atri y Huerta y que recurre al arte contemporáneo y a la tradición textil azteca para aceptar el luto como parte de un proceso natural.

“Todo está hecho a mano, porque queríamos regresar a una tradición que se ha ido perdiendo”, explicó Atri, que creció viendo a su padre trabajar en una fábrica de textil de México.

La instalación de ingreso libre estará abierta al público entre las 12 y 7 pm PT hoy y mañana domingo, mientras que el lunes la sala se abrirá solo con cita previa.

Fuente. http://www.eldiario.es/cultura/Artista-Betsabee-Romero-instalacion-tradicion_0_383562050.html

Símbolos y tradición en la indumentaria maya

Telas Mayas.

El Museo de América (Madrid) acoge hasta el 30 de octubre la exposición ‘Tejiendo identidades: símbolos y tradición en la indumentaria maya‘ que, a través de 72 tejidos, analiza cómo el traje tradicional maya es fruto de la fuerte herencia cultural precolombina y de la continua incorporación de nuevos aportes técnicos y materiales.

India de San Cristobal

El tejido, una de las señas de identidad más importantes de su sociedad, se convierte en protagonista de una exposición que pretende mostrar una selección de los fondos del Museo de América con los que dar a conocer la riqueza y diversidad de los trajes de distintas comunidades mayas contemporáneas.

Cuatro secciones

Tejiendo identidades se organiza en cuatro secciones: la primera se centra en las características de las principales prendas de la indumentaria femenina y masculina, tanto de uso diario como ceremonial; la siguiente profundiza en las materias y técnicas textiles más empleadas; los principales diseños decorativos se abordan en la tercera parte, donde se analiza el significado de los motivos más representados; y finalmente, la última sección muestra una amplia selección de trajes contemporáneos de distintas localidades mayas de México y Guatemala.

La muestra incluye un tejido, con 89 tipos de diseños distintos, realizado en telar de cintura por dos tejedoras mayas del grupo Tzotzil pertenecientes a la cooperativa Jolom Mayaetik de San Critóbal de las Casas (Chiapas, México), que desde hace más de 20 años está centrada en la recuperación del conocimiento y la documentación de técnicas y diseños tradicionales de la indumentaria maya. Esta tradición ha podido mantenerse viva desde época prehispánica hasta nuestros días gracias a la transmisión de conocimientos de generación en generación.

Tradición

El traje tradicional maya, tal y como lo conocemos actualmente, permite diferenciar a las distintas comunidades indígenas y es el resultado de un largo proceso cultural. Durante siglos se ha ido enriqueciendo gracias a la pervivencia de una fuerte tradición textil que hunde sus raíces en época prehispánica, a la incorporación de elementos técnicos y materiales aportados en época colonial y a la posterior llegada de componentes industriales que hacen que la indumentaria sea una forma de expresión viva y en constante evolución.

La introducción de tejidos industriales, más económicos y rápidos de confeccionar, y la fuerte discriminación social sufrida por los indígenas ha puesto en grave riesgo este patrimonio cultural. Actualmente, gracias al trabajo constante de cooperativas y grupos de investigación, donde se integran activamente los propios indígenas, se están intentando poner en valor, documentar y preservar sus centenarias tradiciones textiles.

Esta muestra ha sido posible gracias al Instituto de Patrimonio Histórico Español (IPHE), que adjudicó la restauración y acondicionamiento de las telas que se presentan a la empresa Mercedes Amézaga S.L.

Fuente..  http://www.hoyesarte.com/evento/2015/04/simbolos-y-tradicion-en-la-indumentaria-maya/